读书笔记 | 水彩自学中的实用干货技巧（第一辑）
关于水彩学习的纯干货
《水彩入门》查尔斯·雷德著
首先感谢上海人民美术出版社寄来的两本水彩教程书籍，均出自美国水彩大师查尔斯·雷德，今天给大家讲的这一本是《水彩入门》，它针对水彩小白，列举出学水彩时会遇到的问题，同时给予解决方案。
初看封面时，可能中国的绘画爱好者会觉得作者作品过于风格化，不够传统，担心会学不到有用的知识。但是深入阅读进去，会发现很多观点，是很基础且通用的，我在阅读时标出了一些观点，并在旁简要记录了一些心得。今天放到这里，把心得进行了仔细梳理，结合我的水彩经验，还有同学们在水彩课堂上提出的问题，来进行解读。
读书总是有用的，如果在书中有所发现、记住、且运用到了自己的绘画中，那么就是一种莫大的收获与幸福。
书摘——序言：
练习勾勒轮廓，暂停素描并时刻准备好湿润颜料。
创作灵感枯竭的时候就停止绘画，应该充分享受绘画过程，不要沉溺于最终的结果。
做出某个绘画决定时，一定要把邻近元素考虑进去，永远不要勾勒或者绘画任何孤立的物体。
作者更强调于轮廓线的练习，其实也就是我们所熟知的速写、线描等，以线为形式的造型练习。我在和画友同学们聊天时，很多人都会纠结于是否需要先练习素描，也有人因为没有素描基础，而对开始画画产生胆怯；我认为的素描基础，其实是一个理解的过程，同时把它运用在自己喜欢的绘画形式上。即：它并非是一个必须存在的前题，而是与你的绘画一同成长和进步的。
在我的绘画课上，会经常跟同学们说“该停就停”，也会在课上为大家分配好时间，比如每次作业分成几天，分成几次完成，在什么阶段需要停一下，来看看自己的画，思考一下哪里出现了问题，哪里是进步的地方。很多同学很急于看到最终的结果，所以喜欢一鼓作气，画完才罢休。
但是当我们的疲劳和麻木逐渐显现的时候，绘画的灵感会逐渐消解，这时候的作画会变成机械式的，不带思考的惯性动作。很多时候，我也会犯这样的毛病，很多问题就会在这一阶段出现，慢慢画久了，就会发现这个规律：疲劳时出现的问题会影响最终效果。所以，“该停就停”吧！
我们绘画单个物体的目的，其实是为了基础练习，增加脑中的“素材库”，最终达到创作的目的，如果给自己一个更高的要求，不妨尝试画一画带有场景的速写或者线描吧！
书摘——调色A
不要回头去在潮湿的平涂色彩中进行修改。
尽可能让颜料自己起作用。
调淡混色时，最大的危险是画笔蘸取了过多水分。
用于混色的笔触过多。
这里谈到的是实际的水彩技法，这几句其实可以分解为两个问题：一是笔触 ，二是水分。在我的水彩课上，发现最多的其实就是这两个问题，对于笔触，大家会用小号的笔来铺大面积的色，如果衔接不是很流畅，那么画面中会出现很多细碎的笔触，这会产生一种凌乱感和不自信感。当我在点评作业时，发现这种情况，会说“碎了”，其实就是笔触细碎；
关于水分，如果笔的水分过多，而画面水分相对于较少时，这时会在纸面上冲出水痕，有些时候这是故意为之，为了做出特殊效果；所以水痕也并非洪水猛兽，我发现同学们在画水彩时，一旦出现了水痕，就会很惊慌，觉得翻车了，其实大可不必焦虑，因为有些水痕也许会弥补画面中的平淡无奇。那如果一定要避免水痕，你需要做的就是了解你的笔头和纸面的水分，因为水永远是从多的地方流向少的地方！
书摘——调色B
注意水彩干燥后色彩会变淡，也没有潮湿色彩那么鲜亮
仅在带有群青蓝、群青紫、熟褐或者熟赭的深色混色中使用象牙黑，绝对不可在中明度或者高明度的混色中使用象牙黑。
这里谈到了水彩的一个规律，就是纸干燥后颜色会相应变灰变浅，这个具体变化的程度，其实与你所用的画纸有关系。在课堂上，也和大家说过这个事，所以在画水彩时要记得这个规律，有时候需要我们刻意讲颜料的纯度和浓度提高。我所用的纸里，唯有阿诗是变化程度最小的，几乎没有变化，果然，水彩纸就是一分钱一分货。记得在另一本水彩书中，作者明确写出了“请不要用糟糕的画纸”，这一点对于画水彩的人来说，一定深有同感吧！
还写了一个调和深色的配方，大家可以尝试一下！对于黑色，永远要慎用！用其他的深色来代替黑色吧！
书摘——绘画过程A
不知道能继续画点什么时，那就停笔不画，绝不可在已经干燥的绘图区域添加深色。
与色彩相比，我们更容易对明度做出错误判断，但明度通常具有更高的重要性。作为图画创作的关键元素，色彩极少与明度产生竞争，除非所用色彩极为鲜明强烈。
所有一切都与简化表现息息相关。
最高的明度效果应该出现在高光区域，其他的高明度效果应该稍微深一点，否则它们就会跟中心聚焦点抢风头。
记住，任何光照区域都不会比高光效果区域的色彩更亮。
第一个摘要，是作者随时都会在书中提到的，可见多么重要！
另外主要的摘要，是和明度有关系，明度就是画面里的黑白灰关系，也是我们常说的素描关系，画面里最亮的地方即为高光，它在素描里通常会留白，在色彩里会体现为颜色最浅，在水彩里，可以是水分最多，颜色最淡，或者颜色最浅的区域。通常画面里最极致的高光不会很多，几处即可。
于是我摘录了这一句：所有一切都与简化表现息息相关。它在书中的语境是作者提倡大家眯起眼睛找寻高光，这个方法在我高中绘画时，老师也告诉我们，眯起眼睛其实会让眼睛聚焦在更重要的部分，会自觉忽略很多细节，有时候“带有策略性”的忽略是绘画中更高级别的举动。
关于明度在水彩中的理解与运用，我在我的水彩课堂上进行了这样的尝试，让同学们先用单色，比如黑色画出一株植物的明度关系，在此基础之上，再去画它的色彩关系，也就是用颜色来完成。这样，在理解正确的明度基础上，再加上色彩关系，画面的两种关系会套嵌起来。
书摘——绘画过程B
用水彩绘画深色颇为不易。
颜料是否足够潮湿？应该能够将笔尖插入颜料容器之中，画笔笔尖应蘸取潮湿的纯色。
深色水彩平涂干燥后颜色会高两个度，制作深色色块并等候其彻底干燥，你将看出色彩会变浅很多。
关于水彩的深色处理，这里作者特意提出了自己的观点，我结合自己的水彩经验来说一下：很多同学在课堂上反应，颜色调不深，那么有可能出现两个问题：
一是颜色蘸取不足，颜料过于干燥时，我们很难用笔往下刷出颜料，当然固体颜料的常态就是干燥的，所以更推荐大家使用管状的颜料，我们要尽可能的让颜料是湿润的，比如密封好，常喷水，我则会把颜料盒放到冰箱里，因为北方冬天的室内实在是太干了。
二是笔里或者调色盘里的水分太多，水分多了自然会将颜料稀释，水越多，颜料就越稀，颜色就会越浅，当然无法让颜色深下去了。
由此看出，虽然这本书是以人物和风景作为实例，但是其中对于水彩画的原理，还是很通用的。
摘要里的第三句话，在之前的摘要里也提过，这里再次写出来，是因为它的重要性。我们画深色时，应该对它干燥后的效果有一个预估，这对于经验是一个很高的要求。预估它干燥后会浅了多少，这个“多少”的量，我们在调色时应该用浓度来补上去！
未完待续，后续会将书中更多内容梳理出来，和大家分享。
如果大家读完觉得有用，可以分享给更多爱学习的伙伴！
同时欢迎大家在评论区留言，可以针对摘要，谈一谈自己对它的理解或感受吧！
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