跟着《西方美术史话》来一场空前的视觉盛宴

        《西方美术史话》是微信读书里一位朋友推荐的，放着很久都没有触及。最初源于西方美术史而感兴趣想读，却也生生被“西方”“美术史”这两个词吓着了，多高大上的书啊，始终不敢轻易涉足。

        真正读下来，发现不只是收获对西方美术史脉络的了解，对每一个时期著名的影响人物代表作的理解更深入了，懂得联系从时代背景去欣赏画家和他的作品风格、特点，当然开阔视野的同时更加提升了审美能力。

        如果2007年去欧洲之前，我就读了这本书，当站在法国的凯旋门、巴黎圣母院、卢浮宫和凡尔赛宫等博物馆前的一幅幅巨作前，我看到和吸收的可不仅仅是导游给我讲解的部分了。

        花了一上午时间将本书整理出来，内心感到特别有成就感。不论是分享给更多人了解，还是日后自己翻阅，都是特别有意义的。

        人类的艺术史上，或者说造型艺术史上，作品大致就在这么两种风格间来回摆动：一端叫作应该的、理想的，另一端就是本来的、真实的。

        人的精神史也是这样，就像一个小孩子学画一样，从不会画画，到掌握了一定的技巧；然后觉得技巧不够了，要更多地表现自我了；最后又返璞归真，觉得还是最简单的、最朴素的最打动我。

        整个西方美术史跟小孩的成长是一个脉络的，所以我们可以按这个脉络去理解它。

        为什么波提切利会是揭示了文艺复兴最重要主题的画家？

        慕容引刀老师说：我们看美术史和画家，一定要看在他之前发生了什么，或者说他当时处在一个什么样的环境之下，才会有如此的成就。因为我们不能抱着现代人的傲慢去看待，你说一个现代人什么没见过？各种大电影、宽荧幕，你什么都见过了之后再去看波提切利的画，可能觉得不过如此，但是你要想想波提切利之前发生了什么。我们刚刚还介绍了中世纪，那都是一些画得很刻板的人物，连小孩都长了成人的脸。

        这种情况下，突然有这么一张画，画着一个裸体的女神很美地站在那里，向人们展现美神诞生了。看到这样的画面，你一下子就被震撼到了，觉得原来还是有活生生的、特别能打动人的东西。因为人还是天然地会被人的那些情感所打动。您刚才讲被震惊到了，对吧？那种婀娜的体态、那种姿势、那种质感，一下子就让人们觉得新世纪开始了。所以它的题目也特别好——《春》《维纳斯的诞生》。

        文艺复兴的“三杰”

        达·芬奇有点像一座高山，他是这种刺破云端的天才型人物，他什么都会，像一座高峰一样。

达·芬奇《最后的晚餐》

        那么米开朗基罗呢，像大海，他就更辽阔、更雄浑，也有巨大的力量感。

米开朗基罗《创造亚当》

        那到了拉斐尔呢，他像一望无际的草原，让你感觉很舒适、很甜美、现世安好、很宁静，他是这样的一种气场。

拉斐尔《雅典学院》 拉斐尔《西斯廷圣母》

        洛可可时期

贝尼尼《阿波罗和达芙妮》，描绘的是达芙妮在慢慢地变成一棵桂树的感觉 鲁本斯《羽帽》

   

鲁本斯《劫夺留西帕斯的女儿》

      《劫夺留西帕斯的女儿》这幅画，马奔腾交错，他用的都是斜线构图，以往更多的是水平线、竖线的这种构图。但它是斜的，互相交错，整个画面就有一种动荡的、特别有冲击力的感觉，这是他的一个构图特点。

      17世纪的荷兰画派

伦勃朗《夜巡》

        伦勃朗厉害的地方应该在于他的用光，有一种光叫作“伦勃朗光”。如果之前画作的体积感没有那么强的话，可能是因为光打得还不够精彩。他的光就成为固定的范式了，卡拉瓦乔的光打得很高，伦勃朗稍微再低一点，就差不多从画面前四分之三的角度打下来，也不会太高。然后这边都是阴影，但阴影的地方还有个亮的小三角，是这样一个光的组合。   

        另外一个特点，其实还是因为他画了更多世俗生活的题材，他不是为了宗教服务的。比方他成名的《杜普教授的解剖课》，他就画了一群老师，正在给学生讲解剖是怎么回事。这种东西以前不会入画的，但他入画了。《夜巡》画的是民兵自卫队，这样的一组人物出现在绘画里面，而且还强调了故事性。

伦勃朗《自画像》 维米尔《戴珍珠耳环的少女》 维米尔《倒牛奶的女人》

        生活中有一些宁静的瞬间是很打动人的，但我们可能过得匆匆忙忙，就忽略掉了这部分。只有像维米尔这样，一张画画两三年，也不着急，慢慢来，他就特别擅长捕捉这种瞬间，所以我觉得这个是打动人的地方。

维米尔《窗前读信的少女》

        伦勃朗激烈得多。一般画家的特点就动和静这两者，维米尔是属于静的。伦勃朗的画因为它有很强烈的戏剧冲突在，不管是用光，还是像《夜巡》这样的戏剧性特别强的画面。你能感觉到伦勃朗的光是跳动的，他那个自画像，脸上好像有火光在映照一样；但是维米尔的画，好像时间停滞了。他的画面，窗外也有光进来，但那是阴天的光，你都感觉不到阳光灿烂，他的光都是像《窗前读信的少女》或者《倒牛奶的女仆》那种漫反射的光。

        学院派

        最早的代表人物就是普桑和勒布朗，普桑画过《阿尔卡迪的牧人》，勒布朗最有名的作品是凡尔赛宫。

普桑《阿尔卡迪的牧人》

        洛可可风格的时代，重装饰、重细节、表现柔美、更偏重情感类。

        从意大利到荷兰，再到法国。法国人的风格和荷兰人真是不同，荷兰人的风格会有很多乡土气息，有生活、有土豆，是朴实一点的感觉，有农田、林荫道。但是到了法国以后，那就是以宫廷为主。“暖风熏得游人醉”，都是特别享受的感觉。

维吉·勒布伦《画家与女儿》

        随着路易十五、路易十六继位，整个法国变得越来越糟糕，然后就开始出现拿破仑，开始出现大革命，于是接下来的整个艺术走向也发生了变化，这一段叫作革命风云。

        在革命风云中，首先引领艺术发生改变的两个人，就是戈雅和大卫。为什么这个时候会成为一个分界线？革命风云的画作和之前学院派的画作，最大的区别又在哪儿呢？

        岁月静好的时候，或者在“暖风熏得游人醉”、大家很奢靡的那个时代，你就会天然地去接受那些甜蜜的东西。但是革命风云时代，一听名字就知道，它一定非常动荡、非常激烈，那么在这种情况下，就容不下一张所谓平静的书桌，或者一个平静的画架了。你的画布上一定会反映出来那个时代的一些变化。

        美术史也是记录历史的一个过程，这个时候的画作中有了大量的宣传精神，就是他们会用这幅画去感召人民，感召大量的人去做一些事。

        大卫就有这样的观点，他说我们的艺术是为了政治，或者为了这种革命趋势的需要去服务的。

大卫《马拉之死》

        视觉的力量在于一目了然。我今天讲，你得听；我今天写，你得看，而且看好久，对不对？但是一幅画，你一眼看到，那种气场、氛围、所有东西，都一目了然，所以它的煽动力确实很强。

大卫《拿破仑一世及皇后加冕式》 大卫《苏格拉底之死》

        在革命风云当中，大卫有一个学生叫安格尔，也很了不起，安格尔有一幅著名的画作叫《大宫女》，是新古典主义的典范，他那一代叫新古典主义，就是精准到无以复加。还有一副《泉》，画的是一个女孩拿着一个瓮在浇水。

        安格尔不在革命的范围内。只是因为他正好是大卫的学生，所以被安排在了那个时期，而且他继承了学院派的典范，他是学院派最后的荣光。

        真正继承了大卫的革命力量的人，是德拉克罗瓦。

        在历史上经常会看到，两个人互为反面。安格尔的反面就是德拉克罗瓦，安格尔就是那种精准、严谨、庄重、美、理想化，然后到了德拉克罗瓦那里，就是真实的、充满动感的，所以他也是浪漫主义的一个代表人物。人们把他叫作“浪漫主义的狮子”。

德拉克罗瓦《自由引导人民》

       

米勒《拾穗者》

      印象派的时期

马奈《草地上的午餐》 雷诺阿《红磨坊的舞会》 德加《乐池里的音乐师》

       

        印象派的集大成者，或者说最有名的、现在被最多粉丝追捧的就是莫奈，莫奈画了《睡莲》和《吉维尼花园的日本古桥》等。

      塞尚是被毕加索称作“现代主义之父”的人。

塞尚《静物与篮子》

        塞尚的思考方式不再按照原来的方式，去还原一个现实世界，不再考虑这张桌子、这个杯子、这个透视应该是这个样子。他更多考虑的是它的构成，这几样东西组合在一起，背后是一种什么样的构图。

        他希望看到它的结构在里面，所有的这些杯子的结构、桌子的结构。哪怕这个结构不精准，在他看来，这个就是他要追求的永恒的东西。那些精准的造型、那些色彩斑驳的东西，他看不上眼的。他想要的是这样一种剥离了物体表面的、更偏形而上的思考方式。

        马蒂斯的名言：“对啊，这是一幅画，这不是人。”

马蒂斯《戴帽子的女人》

        马蒂斯和毕加索都同时受到了非洲面具艺术的启发，为什么后来毕加索会成为一个更集大成的人呢？

        毕加索凝聚了一部美术史的发展。你看他小的时候，很早就展现出了天分，他十三四岁时画的那种写实的油画，很早就把人类早年拥有的绘画经验学会了，然后再一路往下走，就渐渐走到了形体越来越不可辨、越画越不像的阶段。

        他同样受到了非洲雕塑艺术的影响，所以他发展出的画风是人物更变形、更概括、更提炼，模仿非洲雕塑的造型特点。可是他不止步于此，他一直在变，一直在推陈出新，走下一步，所以他是一个从来没有停步的人。

        同样受到了这些影响之后，马蒂斯可能走向了偏剪纸的效果；可是对毕加索来讲，他发展出了立体主义，后面更无法去判断到底是属于什么主义了，他一直在不停地推陈出新，所以他就更厉害。

        后印象派

        梵高被归入“后印象派”

        从时间上看，他们几乎都是同一代人，大家彼此也都认识。“后”的原因在于，像莫奈，无论他怎么变形，他其实还是照着那一片荷塘画的，这是清晰可辨的，自己个人的因素并不多，多的还是光影造成的这一画面的效果，其实还是写实的。但到后印象派这几位，梵高、高更这些人，他们其实画的不是眼中看到的世界了，他们更多地画心里面想的、理解的。

        看梵高画的《星空》，好像星空都流动起来了，星星都熔化了一样的感觉。

        象征、梦幻和潜意识的时期

莫罗《莎乐美》 米罗《构图》 达利《由飞舞的蜜蜂引起的梦》 康定斯基《构图十二号》 蒙德里安《红、黄、蓝的构成》

        那时候康定斯基、蒙德里安这样的人，他们画的很多画，就是一些辐射或者一块一块的颜色，为什么会这样呢？

        这也是一种观念上的开创。你看我们之前说到毕加索，你仔细辨认毕加索所有的东西，还是有迹可循的，这是和平鸽，这是一头牛，这是一个人的脸，这是一匹马……就像《格尔尼卡》里面，也总能找到对应的、小孩子都能识别的图形。

毕加索《格尔尼卡》

        可是到了蒙德里安，那不就是色块吗？他完全没有这些图形了。到了康定斯基的时候，做一些放射性的颜色或者线条或者点线面的组合。这个就是“把绘画还给绘画了”，他不再是为了表现一个形体，我画出一个你看得懂的东西，没有这件事，不存在，我就是让它这个东西是好看的。

        他们表现的是这些色彩，点线面组合起来，它会是美的。如果没有蒙德里安的探索，不会有我们后世的这些现代建筑。比如方房子，怎么会有这种美的东西出现呢？就是因为他们这些人的探索。

       

波洛克《构图十四号》

        我们这些普通人，我们可以回家甩甩吗？

        “美是有法则的”。你得有节奏感、有起伏、有变化、有韵律、有互相的冲突，可是又和谐、对立统一。这个是基本的美的法则，包含了这个法则的东西，你会觉得是美的；不包含，哪怕再抽象，它还是不美的。

        后来商业社会越来越发展起来以后，就有了波普主义。波普主义开始是剪贴画。

        最后，再从头回顾一下，从岩画开始，然后古埃及、古希腊、古罗马，之后进入黑暗的中世纪，然后文艺复兴。文艺复兴后期出现了提香、威尼斯画派，还有德国的和尼德兰的画派；之后到巴洛克——浪漫主义；然后从这儿开始进入17世纪的荷兰画派，荷兰画派是维米尔和伦勃朗的那个时期；接下来到学院派；然后开始闹大革命，大革命之后进入现代的印象派；然后开始后现代主义，一直到最后的这种抽象、立体，最后到波普。

        希望我们以后在欣赏这些画作的时候，不会一无所知。当你心中有一点认知的时候，你再去看那幅画，豁然开朗和油然而生的幸福感一定会更强烈。愿我们都是生活的艺术家，喜欢艺术欣赏艺术，让我们的生活变得更加有趣。❤️