意象诗及其写作技巧。文/唐朝

意象诗及其写作技巧。文/唐朝

(一)

　　首先，让我们来看看中国诗歌传统意义上的分类。中国现代诗歌，如果按作品内容的表达方式，大致可分为抒情诗和叙事诗。抒情诗以直接抒发诗人的思想感情为主要特征，如，情歌、颂歌、哀歌、挽歌、牧歌和辣歌（讽刺诗）等。这类作品很多，不要求描述完整的故事情节和人物形象，即可达到反映社会生活和作者思想情感的目的。而叙事诗，则有较完整的故事情节和人物形象，通常以诗人满怀激情的歌唱方式来表现。如史诗、故事诗、诗体小说等等。当然，有的人还分出其他类，如格律诗、哲理诗、题画诗、自由诗等等。但笔者从写作艺术和技巧上认为，现代诗歌分为意象诗和非意象诗即可说明诗歌的类别了！

　　再来说说什么是意象诗？我认为，意象诗就是以意象为主体特征的诗。那么，什么是意象呢？所谓意象，就是客观物象经过创作主体（即作者）独特的情感活动，从而创造出来的一种艺术形象。意象就是寓“意”之“象”，就是用来寄托主观情思的客观物象；是主观的“意”和客观的“象”的结合，即为融入诗人思想感情的“物象”，是赋有某种特殊含义和文学意味的具体形象。也就是说，如果说诗歌的最终目的是抒情，那么“意象”就是借物抒情的产物。

　　古今中外，意象诗大行其道。中国最早的意象理论，就有“观物取象”、“立象以尽意”之说（《周易•系辞》）。从最早的卦象、符号，到现在的大众物象，中国诗歌通过“诗言志”的思想意识和意象在诗中的艺术展示，使意象诗得到长盛不衰的发展。而在国外，意象诗早在上世纪初就独立成一派。1909年至1917年间，一些英美诗人明确提出：诗人应该以鲜明、准确、含蓄和高度凝炼的意象，生动、形象地展现事物，并将诗人瞬息间的思想感情溶化在诗行中。基于这一理念，一些诗人如休姆、庞德等提出“反常规”“革新”地进行诗歌创作的主张。强调意象、直觉、通感、色彩等的诗意功能。作为一种文学运动，意象派反对在诗中的直接议论和感叹，反对传统诗歌尤其是浪漫主义的无病呻吟、多愁善感和伦理说教，主张采用象征的手法进行创作。对当时诗坛文风进行了反拨，开创了诗歌创作新的道路。

　　                                        (二)

　　中国古典诗歌理论，对“意象”这一概念有过详细的解说。古人认为：“意”是内在的抽象的心意，“象”是外在的具体的物象；“意”源于内心并借助于“象”来表达，“象”其实是“意”的寄托物。诗歌创作过程是一个观察、感受、酝酿、表达的过程，是对生活的再现过程。作者对外界的事物心有所感，便将之寄托给一个所选定的具象，使之融入作者自己的某种感情色彩，并制造出一个特定的艺术天地（意境），使读者在阅读诗歌时能根据这个艺术天地在内心进行二次创作，在还原诗人所见所感的基础上渗透自己的体验与感受。《文心雕龙》的作者刘勰指出，诗的构思在于“神与物游”；王夫之说“会景而生心，体物而得神，则自有灵通之句，参化工之妙。”谢榛说“景乃诗之媒”；王国维也说“一切景语皆情语也”。也就是说移情于景，存心于物，凝神于形，寓意于象，实际上是中国传统诗学关于诗的意象手法的不同表述。

　　因此，从某种意义上来说，西方意象派是在中国古典诗歌意象理论基础之上产生的；作为和象征派并立的诗学流派，它的起源应该在东方。中国是诗歌的国度，很多优美的诗篇，在意象的运用方面，达到了一定的高度。如；如李白的《静夜思》、马致远的《秋思》、戴望舒的《雨巷》等，脍炙人口。艺术魅力经久不衰。而庞德的名作《在地铁车站》，在意象的并置和陈列方面，也是别具匠心的。可以说，在意象的指向上，东西方的诗人是一致的，传递给读者的艺术享受有许多相同之处。

　　意象诗，之所以有如此的魅力，我认为主要因为有意境的存在。意境是什么呢？自古以来，对意境的认识和表述不一，很多人将意象和意境混为一体。如《现代汉语词典》就简单将“意象”解释为“意境”，这是不严谨的，也是不科学的。笔者认为，意境是一种艺术氛围，是生长作者思想感情的“土地”，它是由诗人主观图意和客观物象结合后生发的，并由读者通过联想和想象，共同完善的情景空间。超越于具体意象之外，又在读者的阅读和欣赏习惯之中。如果说，意象是个体、是点，那么意境就是整体、是面。也可以这样来理解：如果意象是寄托了诗人思想情感的物象，是实的，那么意境是看不到的，是虚的。如匈牙利诗人裴多菲的《我愿意是急流》，诗中应用了两类意象：先用某一种或几种事物，如急流、小河、荒林、废墟、草屋、云朵、破旗等做自我的意象；再联系到与之关系紧密的另一事物，如小鱼、小鸟、常青藤、火焰、夕阳，来做爱人的意象。细细数来，竟有12种之多。诗人通过这一系列的创造，展现了这样的的意境：无论我是什么，我都愿意为心爱的人奉献出一切，表达出了对爱人深挚的爱慕之情，从而引起我们感情上的共鸣。

　　                                     (三)

　　时下，在新诗创作中，运用意象的作者已经不是少数。如今年获得诺贝尔诗歌奖的瑞典老诗人托马斯•特朗斯特罗姆，虽然属于公认的象征主义和超现实主义大师，但它至今创作的163首诗中，不乏意象之作，这也是我们中国读者感觉到他的诗歌“亲近”“不陌生”的主要原因。可见，对诗歌意象的追求和提炼，是很多诗人的一种执着和理想。那么，怎样才能写好意象诗呢？在意象诗的写作上是否有一定的技巧呢？笔者通过多年的学习和研究，认为大约有以下几种技巧方式——

　　1.心有画面。画家行话说“胸有成竹”，意思是说要想画好竹子，心里首先应该装有竹子的模样。写诗也是一样。诗人在下笔之前，心里面也应该有个画面，脑海中要有画面感。这就是中国的诗画同源说。而西方的庞德也认为：意象派诗歌则是像绘画一样使自身成为词汇。这已经很好的说明了诗歌和绘画的天然关系。如李白的《望庐山瀑布》：“日照香炉生紫烟，遥看瀑布挂前川，飞流直下三千尺，疑是银河落九天。”再如张继的《枫桥夜泊》：“月落乌啼霜满天，江枫渔火对愁眠。姑苏城外寒山寺，夜半钟声到客船。”二诗都是广为流传的名作，都有很显眼的画面。画面中有各自所需的物象，寓入诗人的思想感情之后，便产生了不同的优美意象，继而通过读者的想象和联想，产生了脱俗的意境。因此说，诗人在下笔之前，如果心中有一定清晰度的画面，就很容易针对性地选择物象，从而自然地将心中的情感（意），表达出来。如《枫桥夜泊》中的“月、夜空，江水、枫树、渔火、姑苏城、寒山寺、钟声、客船”等等，为静而设，为愁而现，为诗而美！

　　2.适度留白。既然说诗画同源，中国画以留白为美，那么在意象诗创作中，就应该对诗句的表达留下一部分空间，不要把意思全部说出来。如果你说透了，反而不好。因为压缩了读者的在创作空间，使读者的主观能动和感受联想排除在外了。聪明的画家总是在中国画的创作中惜下一些墨来，留出空白给读者自己去感受、去想象；诗歌也是这样，优秀的作者总是在字里行间留下想要表达但又不愿意说出的意思，留给读者去想象，甚至猜测；只有这样，才有回味，才有不尽的艺术魅力。如笔者创作的《不说》：

　　

　　狠狠地抓住一段真相

　　让太阳熬出

　　黑

　　或白

　　

　　隔层的夜

　　主宰了我的表达

　　沉默

　　已深深扎根

　　“真相”？到底是什么？也许诗人心里很清楚，但就是不愿继续说透，不表达出来；是有意为之，并不是因为“隔层的夜”。这是一种诗写策略，不说明白让读者八仙过海、各显神通联想去好了！应当说明的是，留白是需要把握好尺度的，如过分就可能造成费解和生涩，反而成为败笔。

　　3.隐情于景。景，即是景物。在诗歌里它是以物象的形式出现的，是意的客观载体，是诗人用来表达感情和思想的工具，是为诗人传递“意”服务的。诗人一旦将自己的思想感情，也就是我们通常说的心志、意，寄托在前面提到的景物上，便可以获得一种不同滋味的释然，这就是意象产生的过程。关键的是在具体操作上，怎样才能更恰如其分地将“意”附于“象”中？是直接贴上去，还是将意化作雪水，慢慢溶化到景象中。我认为，大多用后者比较好。自然天成是世界最完美的创造，因此将情藏在文字的后面，是一种自然选择。意象诗讲究含蓄，任何直接的表达，都会有生硬的痕迹。因此，隐情于景，是一个值得琢磨的过程。

　　一般说来，意象有直接的和间接的两种。不管将情（即意）隐藏在直接或间接的景物中，都是为了完成用物象来呈现情感的作用。巧妙的呈现，往往有深厚的寓意。如柳永在《八声甘州》中写道：

　　对潇潇暮雨洒江天，

　　一番洗清秋，

　　渐霜风凄紧，

　　关河冷落，

　　残照当楼。

　　是处红衰翠减，

　　冉冉物华休。

　　唯有长江水，

　　无语东流。

　　诗中的“清”“凄”、“冷”、“残”“衰”“减”等字既是写景，又深含感情，萧瑟凄清的景物中可见作者长期漂泊天涯的凄凉之感。

　　4.寄神于形。这是个关于具象和抽象的命题。神，一种精神，或者神思；而形，自然是具象的，看得见得东西。作者将思想感情巧妙地运用到具象之上，借它的呈现，给读者思或想。可以用直接的方式，也可以用间接的方式。但不管怎样，首先都要对具象（也就是我们通常说的物象）熟悉，了解其一般层面的象征意义。如：松树是风骨、清高象征，菊花是高洁的象征，柳为依依不舍之情，草多为离别，月亮一般是淡淡的忧愁，燕子（在春天出现）一般是春愁、无聊谴倦的情绪，而杜鹃则多为悲戚等等。了解不是目的，而是争取做到神形兼备，形随神逸，自然贴切。如李白的诗《独坐敬亭山》：

　　众鸟高飞尽，

　　孤云独去闲。

　　相看两不厌，

　　只有敬亭山。

　　诗人将自己孤僻高傲的形象、与世无争的的思想寄托在鸟、云、山之间，借它们的孤独，展现自己的高傲以及乐观、浪漫和豪放的心态。

　　5.动静相照。动和静，是相对应的，是最能够吸引读者眼球、牵动读者神思的元素。因为意象诗讲究意境和画面感，因此需要写得生动、传神、含蓄、且耐人回味。在具体的创作过程中，在构建诗句和意境的过程中，选择什么样的词语来表达和传递意韵，尤为关键。我的经验是，很多很平静很平常的景象，通过恰当的词语运用，往往可以使画面生动起来，而动词在这时候的选择运用尤为关键。古诗讲义中的“推敲”，就是很好的例子。是“僧敲月下门”还是“僧推月下门”，所表达的心态是不一样的。如笔者的诗《记忆之外》中，写道落日：

　　“落日。大地托起的枪口

　　正虎视眈眈

　　瞄向

　　某一处故事”

　　这里用到的“托、瞄”都是经过选择的，相对于静态的“枪口”来说，是比较恰当的。将“落日”比喻成为我们熟悉的“枪口”，此刻在苍茫的大地，给人一幅凝重感，也许还有一些更深刻的寓意；由意象到意境，动词在这里起到了很好的连接作用，留给了读者一定的想象空间。

　　6.虚实结合。虚与实，在所有的文学艺术创作中，都是很重要的话题。其艺术魅力在于它的变幻感觉。我们知道，写得太虚的诗，就显得空洞无根而漂浮，无实质内容；而太实太满的表达，又无张力可言，挤占了读者的联系和再创作空间，审美就要打折扣。具体到诗写过程中，我们心中一定要有虚和实的概念。虚，自然是看不到的，可以理解为作者的心意、思想、情感一类；实，即是物的东西，多是用来产生意象中的“象”。这样以来，就可以在一个大的层面上进行意象的提炼和创造。如北岛在《诱惑》一诗中写道：

　　“那是一种诱惑

　　亘古不变

　　使多少水手丧生

　　石堤在阻挡

　　倾斜的陆地滑向海底”

　　海水虽然是一种不变的“诱惑”，但“石堤在阻挡”。这是一种诗人的理想，这种理想是看不到的，是虚的，需要我们用意会来完成；而海水、石堤是实实在在的东西，是我们看得见的。二者的结合，完成一次意象，使读者在这一特定的意境中，思考理想、人性、人生、探索、执着或者贪婪等多种命题，从而产生诗意的审美。

　　还有一种层次的虚实结合。那便是虚的“象”和实的“象”。我们说“象”是具体的可感的，多是看得见摸得着的，是“实”的；但有些“象”是看不见的摸不到的，是“虚”的。但，却是可以感觉的。如空气、阳光、味道等等，这些可感觉的“物象”，同样可以寄托作者的思想感情。如写反刍的老牛，“正午，老牛在村口咀嚼阳光”；“我身披阳光，走在人生的路上”，写出了对生活的热爱等，都是实体－－－老牛、人（我）和虚体的象－－－－阳光的巧妙结合，这样的句子，往往很有味道，是诗歌创作初级阶段练笔的有效途径。

　　当然，就技巧而言，意象诗的写作还有很多实用的方法。我们在创作中还在不断丰富和发现。不管我们如何来对待，我认为要写好意象诗，首先要搞清楚意象和意境的概念，明白二者的区别和联系，熟悉意象和意境产生的过程；其次，在使用意象的过程中，宜就简避繁，切不可无节制地堆砌，让读者读后不知道所以然；最后要说的是，诗歌创作的最高技巧就是无技巧，只要是真实、自然、留给读者美好享受和审美回味的诗写形式，都是值得肯定的。