到底什么才是好的影视作品？

由于影视作品泛滥，很多人不知道好的概念了，缺少了审美的标准，这里就说一下几个我评判影视作品的标准，平时看电影比较多，就拿电影举例了，越靠前的越重要：

一.讲故事的能力

对于主流电影来说，能把故事讲好仍然是最重要的。拍个短视频，写个日记可以自嗨，但是你要拍电影，写书，就要对受众负责了。拍的让人看不懂，就别怪不卖座。

电影通常会有明线和暗线，能让人把明线看懂，是主流电影的基本素养，我是个本科生，相信自己的思维能力，所以我看不懂主线的电影，心理分数只能给7分以下了。

看看各大评分社区，8分以上的电影，也基本都是能讲好主线的。

对于暗线，有的电影会留下多个，比如《让子弹飞》、《霸王别姬》。经常看到有人分析其中的细节。

有的电影只留下一个，比如《盗梦空间》，最后的陀螺倒不倒就是唯一的暗线，导演也为此铺垫了很多线索。至今你都能看到有人津津乐道地讨论，最后陀螺到底倒了没有，柯布回没回到现实。

但是暗线的精彩一定是建立在主线讲懂的基础上。主线崩了，你搞再多的暗线也没用，姜文民国三部曲的后两部、陈凯歌后期作品，都犯了自嗨的毛病。没人愿意再去解读其中留下的深意了，自然也就成不了经典。

诺兰的《星际穿越》，我感觉也就是8分的水平，可能是电影前期太过出色，大家评分都很高。但是怎么也遮不住它的问题，最后结尾太牵强，爱能穿越时空，设定逻辑说不过去，刘慈欣也曾坦言看不懂这部电影的结局。

把故事讲好，讲明白，仍然是电影的关键。这一点也跟票房息息相关。

二.人物的刻画，环境的塑造

人物和环境是相辅相成的，两者相匹配，会让观众感觉自然，情节更加舒展。

很多电影选的题材都不错，场景也极大地还原了，但是人物表现却不对劲。比如各种堕胎、追火车的青春怀念片，人物塑造太空洞，脱离环境，无法让观众引起共鸣。

很多电影在自己的国家大放异彩，出了国门就没人看了，就是这个原因。自己国家能理解的东西，放别的国家人就有文化差异了，人物和环境脱节了。所以后面也要说，题材的选取也很重要，格局大，共性多，少玩内涵梗，成为世界经典的可能会比较大。

当然这方面做的好的也有很多，《教父》系列、《疯狂的麦克斯》、《阿甘正传》、《活着》，以及最近的《无名之辈》，这些都是人物刻画很成功的例子，而且人与背景环境连接也很紧密。

三.题材的选取，作品背后反应的问题，适当的深刻性

故事讲好了，人物刻画出来了，你想表达个什么东西呢？这个也是挺重要的吧。

当然现在拍影视剧都很讲究这一点，表达点适当的价值观和问题。

那些反应社会的、处于风口上的话题从来都是受人关注，《熔炉》带动了一大批反应性侵、校园暴力的电影。前几年宣扬大众创业、万众创新的时候，《中国合伙人》也是备受关注。这些反应当下社会问题的电影，很容易引起人们注意。

人类开始越来越关注自身的细节问题，大格局的电影少了，关注小细节的电影多了。当然我不认为这是评判好坏的标准，只要能适当地反应出问题，都是好电影。

但是注意，这里讲的是适当的深刻性，有些电影看到一半，感觉导演要冲出来，扇我一个大耳光，问我：“深不深刻？！”我说不知道，他又开始扇我，直到把我打死为止...

有一种说法是很多没营养的电影，却还有很多人看。但是现在短视频平台这么发达了，想消遣免费的方法多了。我相信不会再有人去电影院，为那些完全无脑的电影交智商税了。

如果你是指《西虹市首富》、漫威大杂烩这种电影，我觉得他们还是有营养的，只是把深刻换成了轻松搞笑的方式，这就是萝卜白菜各有所爱了。

当然搞笑也不能挠人脚心，逼人发笑，让人尴尬。真正的搞笑是完全可以融入深刻的，《三傻大闹宝莱坞》、《人在囧途》就是如此，这同样是一门学问。

四.演员的演技

其实电视剧比电影更看重演技。

我把这一项放的并不是很靠前，我认为，大部分电影演员，演技都是达标的，也就没什么好比的了。电影跟电视剧不一样，电影是需要卖座的，对演员门槛高一点，上映期没人看了，后面再想红火起来也很难了，还亏钱。当然，也有那些专门洗钱的电影，就先不讨论了。

演技也是可以很快教出来的，冯小刚、张艺谋、周星驰，培养了那么多新星和童星，至少在某一部电影里，他们的演技是绝对在线的。

真正的好演技，可遇而不可求。邓超《烈日灼心》里碾压另两外主角，虽说陈比绝的戏份是删了不少，但是郭涛演的杨自道，还真比不过邓超的徐小丰。但是演完这一次后邓超就开始没完没了的喜剧之路了，后来他拍的也不能说没营养，就是营养太少了。这可以理解为短暂入魔后的休养。

《教父》马龙白兰度、艾尔帕西诺来回飙戏。 莱昂纳多（小李子），演什么像什么游刃有余，这是多年经验的积累，坚定不移地定位自己，不接不看好的片子，这种演技堪称炉火纯青。

《蝙蝠侠：黑暗骑士》希斯莱杰把自己关屋里模仿小丑，写小丑日记，演完之后走不出来了，在公寓里服药过量而死，被追授奥斯卡奖，这叫真的走火入魔。

真正的演技，不在于动作，不在于语言，关键在脸上的微表情。眼角、嘴角肌肉的变化，只能通过设身处地融入角色和情绪实现，真要做到这一点很难得，要付出的东西太多了。

五.镜头感、艺术水平、剪辑能力

影视作品也是一种艺术，艺术就需要具备一定美感。

我不是美术专业，无法做出专业性评判，但学过一点摄影，还是可以简单说说。

其实让观众觉得这个画面看起来舒服，有看头，这就是艺术的成功，好的构图可以让观众不自觉地注意到影片关键点。

同样构图也可以用来分散观众一部分精力，注意到影片的隐藏线索，或者给出主体与衬体。

主体与衬体

比较复杂的玩法还有长镜头、特殊色彩流之类的。当然我始终认为这些东西只是锦上添花，在前三点没做到的情况下，艺术技巧玩的再花哨也没用。

张艺谋就是就是一个极其追求色彩艺术运用的导演，他对色彩的痴狂已经有些超越了电影主体，近期拍的电影，不是没人叫好，就是毁誉参半。这就是本末倒置的结果。

剪辑则是控制电影节奏的关键，最后作品的呈现时间长短，也由剪辑控制。以前作品时间和节奏不一，现在的电视剧一集多为45~60分钟，电影多为130~160分钟，节奏多为紧凑型。也就显得以前的那些慢节奏、长时间的作品更为珍贵。

六.改编水平

大部分影视作品都由书籍或漫画改编而来，这就很考验制作人的改编水平。

我们常能发现生活中有一种人，叫做“原著党”，他们认为，大部分电影改动、删减的情节，通通是对原著的侮辱。在他们心目中:原著>所谓原片>最终上映片。

这一点我不敢苟同，不同题材的文化作品，都存在自己的阈值，小说广度大，直观度低，影视作品广度低，但是直观度高，漫画介于这两者之间。改编时要充分利用影视作品的长处，提高直观度，在广度上做适当取舍。

所以，不同体裁的转变，改变就是好事。《霸王别姬》、《阿甘正传》、《教父》，这些讲究的是融合，广度稍微减了一点，直观度大大提升，这是大师级的作品。

《哈利波特》系列、《漫威》系列用的是适当减少原著深度，从而发挥影视剧直观易懂的特点，让观众观影感受更好，也容易引起专著党的不满。

《肖申克的救赎》、《了不起的盖茨比》，这属于凝练出原著的关键，并且做些更巧妙的改编，可以让影视剧比原著更火爆，更让人叫好。

当然也有一些作品，是根据历史故事、真人故事改编，或者编剧自己写出来的剧本，由于没有跨体材，这些影视作品显得争议更少，更容易让人接受。

七.导演的自我修养，独立风格

演员的最高修养是演什么像什么，导演的最高修养是拍什么像自己。

斯皮尔伯格的构思巧妙、诺兰的峰回路转、张艺谋的色彩运用、姜文的价值输出、冯小刚的现实主义...导演自己首先要有健全的灵魂，才能拍出有灵魂的好片子。

中国目前没有第六代导演，原因之一就是，这些新生代的导演们，还没有完全形成自己的风格，不能着急给他们扣帽子。

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最后，还是那句话，适合自己的就是最好的。我的一家之言代表不了什么，也欢迎大家在评论区补充。

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