普通人如何快速分辨出一幅画的好坏
我在大学的专业是美术学-油画，因此经常会帮同事们判断一幅画到底画得好不好。今天呢，就让我尽量以中国画家们为例，主要通过他们的色彩作品，同时也会举一些我在简书上看到的例子，来向大家阐释：普通人如何快速分辨出一幅作品的好坏。
我尽量不使用生涩的术语，同时尽量从大家都能看得懂的部分入手，希望各位认真阅读，并举一反三。
本文需要上下多次拖动以进行对比，请睁大眼睛仔细看！
素描关系
比如这幅画，乍一看似乎很不错：颜色饱满，构图有想法，葡萄塑造得通透可人，在质感上与篮子做出了区分，背景也处理得恰到好处。
但请你仔细看一看，装葡萄的篮子，是不是像一个平面？完全没有弧度的样子。而且整幅画的素描关系也比较糟糕，细节处理非常粗糙。
这样说可能不够清晰，但如果把图片去色之后，你就会发现，整个画面糊成一团，没有清晰的黑白灰，于是无法突出素描关系。
落在篮子上的葡萄没有影子，仿佛跟篮子没有关系，葡萄到底是不是球形呢？感觉肉乎乎的，结构感不强。
篮子的这个部分没有过渡，没有明暗区分，透视缺失，光究竟是从哪里打过来的？
背景凌乱的笔触像是被什么弄脏了一样，毫无生气，毫无乐趣，你会觉得有些“闷”。
上面这幅油画是黄显之1954年作的《樱桃》，我们同样用刚才的观察点去看这幅画。
并同样把它去色，你会发现樱桃依然圆润通透，因为每一笔高光都点在结构上了，这一点很重要，黑白灰关系明确，并且有远近虚实的关系，所以画面显得非常完整，影子也都在，背景纹理清晰。
作者：婠婠
用单色来表现画面，更加考验作者对素描关系的把握程度。
去色后也不会觉得画面沉闷，花朵依然突出，背景的渐变与留白给了画面足够的“透气感”。
影子
很多人在画画的时候都不知道物体有影子，尤其是很多照着照片画画的人。照着照片画画是非常异端的行为，尤其是对初学者来说，照片上的物体、人物没有任何变化，是死的，本身照片质量不行的话，照着画只能更糟糕。如果你想在画画这条路上自杀就去照着照片画吧。
比如上面这幅作品，我看到作者给的照片就是这样的实物照，没有影子，但那种照片是为了给设计师抠图用的，既然你是在画画，你就算是想象都得把影子给我画喽，不然就很奇怪，光打过来，明暗都有了却没有影子？那画面怎么可能完整呢？
这位作者还是有一定的基础，至少能努力塑造一个球体。但是，排线没有掌握好基本法，完全按照同心圆的方式画，出来的明明是个锣啊，结构感弱得惊人，而且，圆本身也没画圆。
再就是，敬告各位出“教程”的人，请不要用手机拍摄步骤图，尤其是在光线不够充足的情况下，就算你画得再好，拍得不好就是自损八千，非常非常丑且不专业。
你自己看看这张照片，所有细节都没了，整幅画跟没完成一样，明明自己分析明暗的时候还头头是道，却完全没有体现在画面上。亮部不够亮，暗部不够暗，还是灰蒙蒙地糊成一片。而且也没有构图、没有想法，真真儿的照葫芦画瓢，这种画是最没有意思的。
这幅画由于作者使用了黑色背景，桌面又留了足够的空白，所以从素描关系来说没什么大问题。但是影子，你们可以自己动手打光看看，物体的影子什么时候会有如此清晰的一条边缘线？又在什么情况下会有明确的形状？右侧影子处理的明暗如此分明，是在何种情况下才会有的？
答案是：当光源离得非常近且强时才会这样，落到画面上就是当你用力过猛的时候才会这样。
我们可以翻到上面的《樱桃》，仔细看一下影子的处理方式。影子在不同的光源处，颜色是不一样的，且不一定就是深色，像右侧那片樱桃影子用的是灰绿色，照顾到了衬布本身的颜色（固有色），中间和右侧的樱桃影子会更加深红色（环境色），以表现樱桃压在上面的效果，就非常生动。边缘处理的也没有那么死板，不会像石榴这幅给人一种“是不是桌子上本来有什么污渍呢？”的疑问。
作者：婠婠
而像这种把影子与背景完美融合到一起的方属上乘。这幅画的完成度非常高，笔触、颜色都浑然天成。
细节
细节画好了就是锦上添花，处理不好就是画蛇添足。
还是看上面的石榴，你会发现作者在为了表现表皮上的伤疤，画了一些加重的黑线，也能看到石榴表皮外侧的排线，并在排线下面有些加重的颜色。果皮的内部其实要比外部要柔软，但你看上面那块内皮的颜色仿佛石榴已经烂了。
我相信作者看到的石榴可能就是这个颜色，但画之所以为画是需要艺术加工的，这样“直白”地去处理，整体就给人一种，这个石榴很脏且不新鲜的感觉。
会画画的人是十分重视细节处理的，每一个点、每一条线、每一个面都应该是为了表现结构而存在，这也是看一个人究竟会不会画画的关键点。一看杂乱无章的线条、乱七八糟的点、大小不一、还有折断停顿的情况出现、有些像句点有些像逗号，就知道这是个门外汉。
这是孙宗慰的《厨中佳肴之一 鱼》，你会发现画家在处理鱼、菜、鸡蛋、桌面时用的笔触是不同的。鱼尾和鱼身两侧的小笔触，突出表现鱼鳞的质感。而碗中蛋清上的那一大笔白，与蛋黄上的弧状高光，突出了碗与鸡蛋的圆润。所有的东西用色非常干净，色调统一，没有多余的刻画，你就知道这一桌东西非常新鲜。
作者：婠婠
同样是外皮有疤，这个处理得就非常自然真实。同时西瓜是一个球体，不只是一个圆，通过明暗、高光、反光的变化你也能看出来它的确圆滚滚。即使也没有影子，跟上面的龙眼一比就是高下立判。
颜色
你把颜料给一个不会调色的人是一种灾难。
色感这个东西算是比较靠天赋了，什么是色感呢？就是给你一个物体，比如一个鸡蛋、一个苹果，你看一眼就知道怎么去调颜色。包括暗部和亮部分别该用什么颜色去调，这样颜色搭配会非常自然地凭空出现在你的脑袋里，你只需要下笔调出来画即可。有些缺乏色感的人会通过背颜色搭配来作画，我无法想象那是种什么样的体验，只能说这实在太笨太蠢了。你们只要不是色盲、色弱，去通过正式的训练，都会形成良好的色感。
我非常喜欢念颜料的名字，每一个名字念出来，脑子里就有它们的颜色了。上学的时候老师也说，如果你不记得颜料的名字，如何用它们去调色呢？比如让你画青椒或者土豆，需要用到红绿搭配，青椒适合用大红+深绿，土豆适合用赭石+橄榄绿，如果单纯只说红+绿，不同牌子同一个名字的颜色都可能不一样，不说清楚你怎么知道该用哪种呢？
我们学画的时候，老师会反复强调“不要把颜料盒里的颜色直接用在画面上”。很多颜色的饱和度都是非常高的，俗称“非常鲜艳”，不经过调和的话会非常“生”“艳”“假”。
当然不同的颜料质地，调和的方式也不同，像水彩、水粉需要用水，油画是用油；水彩、水粉无法用浅色完全遮盖住底下的重色；而油画可以随意叠加，但是更容易混合。
而发生直接把颜料往画面上画的情况，大部分是因为，你们只能看到那些颜色，比如给你一个红色的苹果，你就只知道用红色，最多暗部是深红，亮部是淡红。但其实没有哪个苹果能给你这么简单粗暴的红色感受，只有加了绿色的暗部才能更突出亮部的红，亮部完全可以靠橙色甚至柠檬黄来提亮，高光也不一定只是白色，一点点天光蓝就可以有更多变化。
还有另一种极端，就是所有的物体都画得又土又灰，比如“济南画派”。灰色用得好其实会很高级，像莫兰迪那样。而非常脏的灰，那就是颜色没调和好，饱和没控制好，水/油没控制好。
这个真的是惊世骇俗的灾难，我都词穷了。。。虽然能非常强烈地感受到作者对绘画的爱与热情，虽然绘画的确强调随性、开心就好、艺术创造，但颜料真的挺贵的，这么浪费不如送我_(:зゝ∠)_
这是凃克1958年作的《海景》，这颜色的细腻变化，与海面的波光粼粼相呼应，色调统一又富有变化，这个才叫做绘画好吗。
这是韦启美1998作的《蓬山》，整个山体是有色彩变化的，同时也兼顾了素描关系，近实远虚的空间感，方寸之间气势磅礴。一幅好的作品必须足够完整，有美妙的细节作为支撑，让观者可以看了又看，在画面上能不断找到好看的部分。
反观上面那两幅“惊世骇俗”，整个画面是扁平的，毫无美感可言。山与天空与海面有任何关系吗？世界上哪有那么正好的三角形的山呢？画面的重点在哪里，你想让我看哪里呢？
其实我画画也会直接用纯色，但我是经过专业训练的，我知道颜色加在一起是什么效果，我知道用纯色是为什么。而且画面的色调统一是非常关键的，色彩搭配也是一门学问。
作者：婠婠
像水彩里面用纯色，会更为普遍一些，但也会有暗部和灰色的搭配，这样才会让纯色更纯，亮色更亮。“有比较才有存在”，这是老师教给我的警世名言。
我在知乎上也回答过关于怎样调色的问题。
这就好比做菜的时候问，我不知道我该加多少盐，或者不知道我应不应该加糖，还有酱油、胡椒粉等等等等。首先你得知道这些调料尝起来的味道和闻起来的味道，然后自己去把它们混合起来试试才知道适不适合。调色亦然，你要知道它们的名字，它们本身的颜色，和调和之后可能出现的颜色。
从最简单的，红色+黄色=橙色，黄色+蓝色=绿色，红色+蓝色=紫色，红色+蓝色+白色=紫红或者粉红色（取决于你加了多少白色）。
还有颜色之间的冷暖关系，比如粉绿、翠绿、柠檬黄偏冷，草绿、深绿、橄榄绿、中黄、土黄偏暖。每种颜色加得多加得少效果完全不同，要不要加水也会改变颜色。
再进阶就要考虑到环境色和对比色，紫色的花完全可以靠一点点黄色来提亮，再来一点天光蓝加以柔和，阴影里出现橄榄绿也毫不违和。
树木本是绿色的，但在湖景中会显现出蓝色、紫色，甚至橙色等变化。
你能看到多少颜色就去试着调出多少颜色。画画之前你应该先训练自己的眼睛去发现更多的色彩。别怕调错，可能会因此出现更美丽的颜色。还有最重要的一点，任何时候都不要用黑色。
画面完整程度
我在举上面的例子时多次提到了“完整”这个词，大部分初学者都是不知完整为何物的，加一个落款、盖个章、裱起来就是完整了吗？就是画完了吗？并不是的。
所谓完整，就是当你看到这个画面，你会发现多一笔嫌多，少一笔嫌少，一切都正正好好，和谐统一。
作者：婠婠
你们看这张水彩画，两棵树各有虚实、远处的高墙薄成一层影子，背景晕染出的颜色让你感受到光。光是最难以捕捉的，画画的终极就是画光。这使整幅画面上升到艺术的欣赏角度，你能看出故事，看出情感。
我们从开始学画一直到毕业，老师不断重复的要领就是“整体”这两个字，你不是只画一个物体，哪怕你只画一个苹果，你也得先画出整个苹果的形状、果蒂的位置、影子的位置，再开始深入刻画。不能先画果蒂，再画苹果，最后忘了影子。
这些年我看到数不胜数从局部开始刻画然后一点点推导出整个物体的作品，我并不是说不能这么画，但你只有在对结构的认识足够清晰、信手拈来的时候，你才能这么画，不然就很容易发生比例失调、画面不完整、刻画过度等问题。
曾经我有一个同学他画人物的时候是先画了眼睛，然后五官，然后头部，然后肩膀。他的功底已经非常扎实，画面甚至有一点列宾美院的感觉，但老师还是只看了一眼就让他撕了重画。我知道我现在说的这些是充满了原教旨主义的，老师的做法也非常刻板不近人情，但你们在学画的初级阶段最好遵从它的规则，等你真正能熟练运用的时候再去颠覆也不迟。比你聪明的人多得是，你以为只有你想投机取巧吗，可基本功只能一步一个脚印。
其他
其他如何判断作品好坏的点，还有诸如笔触、透视、比例、光影、空间、结构等等，这些就需要比较专业的知识了，画不是光用看就能理解的。
上面提到名字的画家，你们可以去查他们的资料，看更多的作品。或者你可以点击下面这个链接，直接与水彩画家婠婠面对面。
婠婠的这门课应该是简书目前最好的水彩课，不止是教画画，而是带你认识艺术。
她师从日本“永山流”：
大局观下的底色决定了整个画面色调明暗，而颜色的叠加使得层次和颜色变得更为复杂，最关键的是色彩的平衡。大师的色彩都非常具有风格，永山流的色彩可以说是独树一帜。比起那些用色鲜艳，或杂乱，或饱和度高，让人很快就审美疲劳的风格，永山流艳丽却不刺眼，柔美中带着韵律。不同于日本画与多数的欧美水彩，这种具有东方色彩感，却不拘泥于固有的含蓄和水墨色调，反行其道，大开大合地一如莫奈的色彩，让人在深深回味中被这种美所包裹。
单一色彩或者两种色彩下，我们或许可以很容易做到透明，但是在整个色调多变的情况下，这种透明感却很难尽善尽美。但是永山却将这种透明，完全淋漓尽致地展现在纸面上。
永山流的惊艳之美，可以说，就是在不停地尝试和失败摸索中开辟出来的风格。
水彩本身是一种非常容易上手的画种，看起来非常简单，只是水与色彩的融合，但究竟怎么融合，怎么创造出最棒的效果，怎么把你心里的美展现在纸面上，这些需要一个真正靠谱的老师，带你入门。
你总说喜欢画画，画画使你开心，那就画点真正美的画吧，也给自己一个机会接触一点最容易上手的艺术吧✧٩(ˊωˋ*)و✧
