看光影艺术，他们不仅是摄影师，更是“电影画家”
一部好电影的诞生需要什么？
要有好的导演，要有扎实的剧本，要有出色的演员。这是大家最基本的认知。
人们常说电影是“光与影的艺术”。但如今的“光与影”比起上面这三样，更容易被忽视。
那今天我们就来聊聊——电影色彩。
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我们从四位导演的作品来延伸这个话题。
一、张艺谋
张艺谋可能是国内导演中，对于电影色彩最为偏执的一位了。这与他的摄影出身密不可分。
无论从担任摄影的《黄土地》，亦或是早期导演的《红高粱》、《大红灯笼高高挂》中都可以窥探一番。
他是全中国最会拍“红”的人。
《红高粱》，1987
《大红灯笼高高挂》，1991
而张艺谋的色彩运用的巅峰，当属2002年那部《英雄》了。
影片在四条叙事线上都营造了强烈的视觉差异，每条线都有其主题性的色彩。
观众藉由这些色彩，能够更好的理解人物的内心情绪以及故事氛围。
主线的刺秦部分，采用了黑色的主基调。
包括文物百官的服饰，宫廷的装潢也都是浓烈的暗色调。
大面积的灰黑让人感到沉重、压抑。有一种肃杀、威严之感。
不仅刻画出秦王宫的庄严肃穆，手握强权的秦王带给人的压力，也暗示了无名走向不归路的结局。
支线一，无名刺杀赵国刺客的过程中，基调是红色。
在无名编造的故事中，是各种情感的交织，对国家、爱人、朋友。
红色含多种意义：是飞雪的嫉妒，是残剑的愤怒，是一滩充满了死亡的血水。
支线二，是秦王识破无名的“红色”谎言，自己心中所推论的故事，基调是蓝色的。
蓝色是冷静的，因为是秦王以理智的视角分析这件事。
蓝色也是深沉的、抑郁的。表现了残剑与飞雪彼此愿为国家、为理想、为爱人牺牲的沉重之情。
支线三，白色是主基调。因为这段是真正发生的故事，白色即代表纯粹、真相。
白色是最干净的颜色，它也象征着刺客们心中的侠义，对天下太平的渴望。
同时，也是“飞雪”的颜色。
支线四属于插叙，在支线三中出现，以绿色为基调。
绿色象征生命与希望。这段讲述了残剑与飞雪相识相恋的故事，如嫩芽破土而出，生机勃发。
虽然篇幅短，但这是整部影片中，让人情绪最放松的一段。
而令人印象最深刻的，一定是飞雪与如月决斗那段。
身着红衣的两人在漫天黄叶的衬托下旋转飞舞，色彩碰撞非常强烈。
如月死后，叶子仿佛是被鲜血渐渐浸染，由黄变红，尽显凄美之感。
影片最后，还是回到黑色调。
万箭齐飞的场景不仅是壮丽的视觉效果，也给人无奈与冷酷的震撼。
无论之前色彩多么鲜艳，都难以改变“黑色”结局。
二、岩井俊二
不知道有多少人的青春是属于岩井俊二的。
从《燕尾蝶》再到大名鼎鼎的《情书》——
青春、唯美是岩井俊二的电影标签。
《情书》，1995
岩井俊二擅长在电影中营造出一种看似“悠长”的美感。
“就像看到车内的美丽姑娘的一刹那，车却开动了。”
这种美在还未完全闪光时就消失不见，留给人们遗憾与惆怅。
岩井俊二的电影色彩塑造，要极大的归功于他的御用摄影师——筱田升。
筱田升几乎掌镜了岩井俊二的早期的全部电影。
他浓烈的个人风格俨然已经成为日式青春电影的标准色调。
左一
《情书》中以黑白两色为主。
辅以温和的暖褐色与冰冷的青灰色，其中又突出了邮箱、玻璃工厂和出租车的红色，跃动却不突兀。
开头和结尾中，以绵延的白雪为背景。
主人公身穿黑色大衣从近到远，渐渐消失，对比之中产生了很强的感染力。
《四月物语》中，东京街头的纷飞的樱花，让人惊艳。
樱花是在最美的那一瞬间飘落，筱田升捕捉到了那个瞬间。
这一片片洁白的花瓣，在他的镜头中，赋予了灰暗的大都市以亮色和诗意。
还有《梦旅人》中，如血的夕阳下，飞舞的羽毛。
《关于莉莉周的一切》中，麦田里孤独的聆听者。
《花与爱丽丝》中，漫天的樱花，以及地板上摆出跃动的舞姿。
《在世界中心呼唤爱》中，小岛上的黄昏那羞涩的一吻。
细细回味，筱田升的每个画面都美得惊人。
遗憾的是，2004年筱田升因癌症去世。
岩井俊二的副导演行定勋说：失去他的痛楚要在很久以后，周遭晦暗无光时，我们才会恍觉——
筱田升是太阳，我们这些导演只是围着他转的行星。
不知道没有筱田升的岩井俊二电影，会有怎样的色泽。
2004年之后的岩井俊二，似乎就再没拍过一部像样的好电影。
2018年导演的《你好，之华》，更像是《情书》与《花与爱丽丝》糅杂之物。
现在岩井俊二仿佛与这个世界格格不入，还在沉湎过去。
可能筱田升真的对他太重要了吧。
《你好，之华》与《情书》海报对比
三、 王家卫
人们说王家卫的电影是“高度抽象后的真实”。
他总能用充满想象力的色彩与镜头组合，营造出令人迷醉的情绪氛围。
王家卫对色彩的运用，让人感觉他的电影有一股迷情调儿，欲罢不能。
这一切当然要归功于他的御用摄影师，人称“亚洲第一摄影师”——杜可风。
而想要了解王家卫的电影色彩，得先知道“胶片拍摄”与“数码拍摄”的区别——
在数码成为电影拍摄的主要工具之前，所有在电影院中看到的电影，都是用胶片拍摄的。
而胶片电影的色彩有着数码无法媲美的柔和色调，而且不同胶片会有不同成像效果。
例如在拍《花样年华》的时候，杜可风就找了好多种胶片，最终选择了一款整体看起来偏红的胶片做为拍摄底片。
所以，《花样年华》的整体画面都是那种暧昧的红色。
这种红色也隐喻了周慕云和苏丽珍“发乎情，止乎礼”的情感处理方式，彰显了人物内心浓郁的情怀和挣扎。
在《春光乍泄》中，就用了一种偏黄的色调来拍摄。
并在原有的色彩上，加上了很多蓝绿色调。
同时影片中穿插着非常多的黑白画面。
杜可风用“蓝绿”与“黑白”各自对应了人物的不同情绪。
这些色彩的交替不仅代表时空的转换，更反映了人的情绪变化。
何宝荣和黎耀辉相爱、分离，到重新开始，两人的内心通过影片色彩的变化，昭然若现。
在《东邪西毒》中，杜可风摒弃了武侠片常用的刀光剑影冷色调，反而转用了一种更浓烈的黄色。
电影将主场景置于大漠之中，再通过胶片的处理，让整体色彩有一种暖暖的感觉，整体看起来很舒服。
影片中的武侠人物不再是冰冷的刀剑相见。而是有血有肉，有情爱欲望，是放不下执着的普通人。
通过大量的黄色调渲染，让这些侠客们更有感染力，也更有“人”的味道。
《堕落天使》中，则用了一种偏青绿的色调。
在基础色调上，再将人物放在灯光闪烁、具有强烈光线运动的环境中，营造出不安和迷离的氛围。
凸显出“天使们”在夜晚的迷失感。
最特别的是，杜可风在影片中采用了广角镜拍摄，使画面产生变形。
他毫不吝惜的将主角们（特别是李嘉欣）的脸怼在你眼前，这是非常大胆的尝试。
通过倾斜构图，手持与大量镜面反照，描绘出都市边缘人心底的疏远与自怜。
影片中的人物，在广角下靠镜头越近，偏偏却离爱人越远。
王家卫的电影主题永远是人与人之间的沟通——
疏离与亲近，拒绝与接纳，追求与失落，忘却与铭记，逃离故土与寻找自由。
而影片中斑斓的色彩，都是人物最好的代言。
四、韦斯·安德森
韦斯·安德森是美国最具个人风格，最文艺的导演。
他的电影你只需看一眼，便知道那就是他的作品。
他对复古风格深深迷恋，就像一个画家，在电影作品里肆意挥洒自己的“绘画天分”。
2014年的电影《布达佩斯大饭店》是韦斯·安德森最成功的作品。
韦斯·安德森用了大量的粉色调，来烘托电影的梦幻气质，让人进入一个如糖果般的童话世界。
这些高对比度，亮丽的色彩，让这部着混合谋杀、越狱、械斗的故事显得不那么黑暗，反倒有些喜感。
而一旦有大面积灰色的画面出现，就说明了危险和紧张的来临。
人物随即便会陷入一连串的麻烦当中。
《月升王国》中，韦斯·安德森带给观众一种非常强烈的70年代复古感。
以明黄、土黄、白、紫为主的配色，营造影片氛围。
影片的大部分镜头，是在晚夏的户外拍摄而成。
饱和的红色，阳光的黄色和草绿色，配合天蓝色和焦黄色，褪色的覆盆子色，橙色......
呈现出了一场伴随着青涩初恋的盛大童年冒险。
这是韦斯·安德森对于色彩的匠心搭配。他能够将生活中的颜色，戏剧美术化地提炼出来。
这让他的所有作品都充满着很强的辨识性。
除了超强的色彩搭配外，他电影里“平衡对称”的构图是另一大特点。
这种设计从视觉上讲是均齐之美，从构图上说是平衡之美。
而从心理感觉上讲，它能给人带来平和、稳定、静止的心理感受。
这就是韦斯·安德森的电影风格，既有荒诞的趣味，又有文艺的审美。
有一种导演，一辈子只拍一类电影，比如伍迪·艾伦和王家卫就是典型。
还有一类导演，就是像韦斯·安德森这样，将自己最独特的点都融入到作品中。
正如安德森自己的描述：
“将现实世界移动了五度”。
那是他为观众们打造的梦境——
虽然你知道这些都是假的，但足以让你沉迷其中，无法自拔。
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