艺术•山水乾坤
米芾《春山瑞松图》
之前读了几本蒋勋老师关于古诗词的书，老师偶尔会将诗词的写作手法与中国古画的技法联系起来。我突然觉得不同领域的美竟能慢慢融合在一起，相互缠绕，不断升华。
“此时无声胜有声”处的留白，“皎皎空中孤月轮”的写意，让我有一种“醉后不知天在水”的迷离之美，不知自己在诗中还是画中。
本来对绘画一无所知的我，竟隐隐的升起想去了解古画的冲动。
那些画作能经过时间的淘洗，流传千古，自有它的迷人之处。那里一定藏着我不知道的秘密，一定藏着和诗词一样唯美的意境。
于是，遍寻蒋勋老师的书，终于找到了蒋勋老师谈东方美学的书——《云淡风轻》。
一部好的作品，无论是诗词、书法、绘画，它真正的价值并不在于作品本身。真正好的艺术应该是让人的心灵有所领悟和提高。好的作品真正关心的还是生命本身。喜欢蒋勋老师的书，亦是如此。
宋朝一直是中国文化发展的巅峰，几千年来，无可企及。宋朝在经历了唐朝的热烈和开放之后，文化上更加成熟和内敛。
宋朝的艺术一直带有一种清淡的高贵和典雅。宋瓷不再有唐朝色彩上的华丽，却更讲究质感的变化。汝窑的瓷器多为素色，却清新脱俗，飘逸如仙。
汝窑青瓷莲花式温碗
东坡的诗也有水墨画一样的感觉，“小舟从此逝，江海寄余生”他的诗句中没有华丽的词语，都寻常可见，但读起来却意境非凡。
宋代的山水画更是把中国的绘画推到了意境的最高峰。什么是意境呢？
西方的绘画讲究的是写实，如何把事物画的更像。而中国画，更注重外在的风景和作者心情合二为一。心之所游，意至之境，这便是意境吧！
想起樊登解读《西方美术史话》对话慕容老师，提到写意时，慕容老师说：写意从某种程度上来说，就是一种写实。你有一个印象，把它表达出来，这就是你印象中的真实。
西方的绘画有那么多色彩，如此真实，可是总觉得比不上宋画这样淡淡水墨的感觉，这便是我们更看重作者背后那份深远悠长的心境吧！
那就让我们跟着蒋勋老师的脚步，来探寻一下那些名画背后的秘密。
《千里江山图》——绝世青绿
一个十八岁的少年，一幅十二米的长卷，一个靛蓝清郁浓厚、石绿温润清澈的千里江山。
时隔一千年，它再次出现在我们的眼前，依然带着孔雀石熠熠生辉的光芒和一个青春少年对生命的无限热情。
王希孟《千里江山图》局部
宋画中多以水墨画为主，“青绿山水”则是传统的宫廷美学。青绿山水画不同于水墨画，它是用青金石、孔雀石等贵重的宝石研磨成细粉，加上胶，在绢上一层层敷染。
十八岁的王希孟只是国家画院的学生，徽宗却看出了他潜在的才分，“遂诲谕之，亲授其法”。有徽宗这样顶级的师父，王希孟进步飞速。不到半年时间就成此让徽宗极为赞赏的《千里江山图》长卷。
徽宗在成王败寇的功利里备受责难，但在文学的造诣及文化的开创上无远弗届。
徽宗在早大英博物馆和卢浮宫近800年时间里，就提出了建立国家美术馆的理念。
徽宗更提倡真正的创作不是“临摹”，而是要提高心灵品味的意境。
王希孟何其幸运，在最好的年龄遇到了最适合他的时代，遇到了最好的老师。
然而，最亮的星星都是一闪而逝，他们或是完成了应有的使命回归自然，或是刻意留下了那一道耀眼的光辉让人回味。
王希孟二十出头就亡故了，美术史上也只留下了这一声美到极致的长长叹息。
12米的长卷，更像是一部历史的记录片，赤金的底色更突显了孔雀石靛蓝的冷艳和内敛。夕阳余晖，山间明灭，行走在这万里江山之中，时光荏苒，沧海桑田，却带不走那个画后少年的骄傲和孤独。
《千里江山图》不同于传统的“青绿”，此画里的青绿厚薄变化极多，产生了丰富的层次。同是宝石蓝，远山与草荫处光影明亮，是温暖柔和的翠绿，而水面深邃沉黯，是凝定的湖绿。
在对青绿理解上，王希孟也是不同于前人的。大家可以看看隋朝展子虔的《游春图》。在色彩的处理上，王希孟的《千里江山图》有着一种青春的热情和蓬勃的朝气，那青绿浓艳之间又有一种清澈的高雅。
展子虔《游春图》
他没有用青绿去临摹山色，而更像是去表达了自己的一种心境。盛唐以后在文化里慢慢消逝的对青春的向往，又在王希孟的画里发出光亮。
想象一下，这历经千年的十二米长卷，在我们的手中慢慢展开。右手定格在时间的过去，左手在时间的长河中慢慢游走。
远隔千年的景象恍惚浮现在眼前，那个用宝石细粉层层敷染，专注极致的少年，和那个在少年身后亲手教临，眼带笑意的徽宗。
这便是我发现的画里的秘密吧！
每一件作品的背后都带着作者特有的性格，真正的艺术品不是那副画，而是画面后作者深藏的心境，亦或读懂了心境之后拨云见日的我们。
《溪山行旅图》——人间过客
人生就是一个奇幻的旅途，不同的阶段有不同的风景。
如果说《千里江山图》带给我们的是一个关于青春的故事，那么范宽的《溪山行旅图》带给我们的就是一个关于生命，关于永恒，关于敬畏的故事。
范宽《溪山行旅图》
当我们站在这两米多高的《溪山行旅图》面前，巍巍高山，中峰鼎立，威严无比。它像一位长者俯瞰人间。
范宽曾经师承北派画家荆浩和北宋名家的李成。但是他始终觉得画中没有自己的风格。于是，他就索性天天住在山里，静静地看，静静地听，静静地感受。
人在大自然中一定会有不一样的感受。当我们处于群山之间，看山岚起伏，听风动竹篁，我们似乎与自然有了心意相通。似乎群山听懂我悲欢，我见群山应如是。
大自然的一切变化都已在范宽的心中。起雾了，就画下《临流独坐图》，下雪了，就画出《雪山萧寺图》。
《溪山行旅图》的右侧，有一条白线，这条白线是山间的瀑布，这条白线不是画上去的，而是空出来没有上色，留白出来的。
留白是一个很重要的美学手法。不仅在画中，在古诗中，在音乐中，甚至在我们的心中，留白都是一种安静的美。
“江流天地外，山色有无中”，那一份空白总会把我们带到更遥远的苍穹，让我们有余地在美中畅游。
在瀑布落下的地方，升腾起茫茫的水雾，水声激溅，若隐若现。茫茫水雾前的树又清晰起来，让平面的画有了立体的深度。
如果说《溪山行旅图》山水的处理已经让我们陶醉，那么我告诉你，它最迷人的地方，不只于此。著名艺术家刘国松在看过这幅《溪山行旅图》后感动得留下了眼泪。
我们前面讲了溪山，但是，行旅呢？如果你不仔细看，或许看不到画面下面的小路上，那步履匆匆的行人。
《溪山行旅图》局部
在这幅巨幅画作中，面对高耸巍峨的山峰，行人如沧海之一粟。然而我们现在用放大镜才能看清的人物，楼阁，范宽也是画得极其认真。甚至是树上的树叶，都是一片片画出来的。
《溪山行旅图》的这些细部真的会让你有一种感动。那是一种能让人安定下来的感觉。我们在匆匆忙忙、急于求成的现代生活中，似乎什么东西都想一蹴而就。
然而，看范宽的画，你会突然觉得时间仿佛一下子凝固了，他把你带回到那个“山气日夕佳，飞鸟相与还”的安静山间，和他一起在山水里，慢慢雕琢。
不知道刘国松老先生是不是也感动于此呢？
范宽并不是作者的本名，因为他为人宽容仁厚，人们渐渐忘了他的本名，就叫他范宽。
这幅《溪山行旅图》在明代时，著名画家董其昌曾在画上写下了“北宋范中立溪山行旅图”几个字，虽然画法风格都极其相似，但一直没有确实的证据证明这是范宽的作品。
然而传奇的作品总有传奇的故事。1958年中国台北《故宫博物院》的副馆长李霖灿先生，拿着放大镜在仔细研究，在树叶的空间，仿佛看见有什么在闪动。居然在树叶的空隙中，藏着两个字——范宽。
《溪山行旅图》局部
这似乎是上天的安排。
我们现在如果写一篇论文，一定把名字放在最显眼的地方。可是，范宽藏得如此隐秘。
蒋勋老师说，文人与学者、知识分子不同，他们真正的作品或许不是画，也不是诗，而是他们的生活本身。他们要的只是“江上之清风”“山间之明月”。
那些曾经流世的真传在作者看来不过是当时只道寻常的生活。他们没有刻意去创作，有目的地去书画。然而正是这种无心之作，才能具足真性情，才更动人。
时光从范宽面前就这样流过，流到我们面前，一千年。
那座山可能一直都在，亘古不变。路上的人，来了又走，走了又来。多少悲欢离合在人间重演。
人在自然里、在宇宙的生命中不过就是一个转瞬而逝的过客而已。
当我们能看到自己的渺小时，我们对自然，对生命才会充满敬畏。对人世间的纷纷扰扰便会一笑而过。对错是非，争什么？
但是人虽渺小，到人世间走一遭，我们又是独一无二，无可替代的。每一个生命又何尝不是自己的宇宙。
敬畏天地，敬畏自己，敬畏我们遇到的每一个生命。
山水之间，各自乾坤。
